CLAROSCURO EN EL DIBUJO

La Técnica del claroscuro

Muchas veces nos podemos dar cuenta de la incidencia que presenta la luz en sobre los objetos para apreciar su volumen. Una de las técnicas más comunes para representarla es el claroscuro, el cual consiste en realizar una variación tonal con diferentes materiales: carboncillo, sanguina y sepia, entre otros. 

El claroscuro es una técnica de pintura que consiste en el uso de contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos elementos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del cinquecento, la técnica alcanzaría su madurez en el barroco. 

Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:

Zona de iluminación clara:
Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa

Zona de penumbra:
También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona intermedia entre la zona clara y la zona oscura, va desde la clara y hasta la oscura pasando por variedad de grises.

Zona oscura:
También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo de luz, y se mantiene oscura.

Zona proyectada:
Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros objetos o sobre la superficie donde se encuentra.

Zona de reflejo:
Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al dibujo. 

EL claroscuro es una técnica de dibujo que busca la representación de los objetos a partir del desarrollo de las zonas de luz y de sombra como un contraste simultaneo de tonos. El modelado de las formas a partir del estudio de la luz es un ejercicio que requiere un profundo estudio de valoración tonal y del funcionamiento de las graduaciones de los diferentes grises. El trabajo del claroscuro no solo permite un modelado de las formas, es importante también como afecta el cambio de luz en la composición del cuadro.
El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz.

El claroscuro es un sistema de valoración que afecta no solo al elemento principal sino a todos los elementos que figuren en el marco del cuadro. La valoración de cada uno de los diferentes elementos del dibujo va a variar dependiendo siempre de la situación del modelo con respecto al foco de luz.

El claroscuro propone un análisis exhaustivo del modelo con respecto a la iluminación que este reciba; por ello la luz se debe tratar de forma radical sobre la superficie de los diferentes objetos que compongan el modelo.

El ejercicio de valoración no debe limitarse a repetir la misma fórmula de graduación de grises en todos los planos del dibujo, ya que cada uno de los diferentes planos que componen el cuadro puede recibir luz de manera diferente.

Por ejemplo, un primer término puede recibir el foco de luz lateralmente, mientras que el segundo término puede recibir tan solo parte de la luz que rebote del primero, requiriendo en su elaboración una valoración mucho más agrisada y menos contrastada que la resolución del primer plano.

PREGUNTAS:

1. ¿Qué es el claroscuro?

2. ¿Para qué sirve el claroscuro?

3. ¿Cuál es la importancia del claroscuro?

4. ¿Zonas del claroscuro?

5. ¿Cuáles son las principales autores del claroscuro?

TECNICAS DE DIBUJO ARTISTICO

Técnicas de Dibujo

Carboncillo: Procedimiento graso. El

carboncillo es un palillo de madera de brezo o

sauce, que, carbonizado sirve para dibujar. Se

utilizan para el dibujo en blanco y negro con

sombreados. El carboncillo se carboniza en un

horno sin aire y es un dibujo que permite ser

muy fácilmente corregible. La barra es muy

blanda, oscura y sin brillo; y se recubre de

madera (sin carbonizar, claro), como un lápiz.

La goma es una herramienta importante en

esta técnica, ya que, además de corregir el

trazado de carboncillo, sirve para correr el

negro y lograr sombreados.

 

Tintas: Procedimiento acuoso. Toda sustancia

pigmentada, líquida o viscosa, que se utilice en

el dibujo artístico. La composición y

consistencia de la tinta depende de los usos a

que esté destinada. Sin embargo todas las

tintas contienen dos componentes básicos: un

pigmento, o tinte, llamado colorante, y un

aglutinante, el líquido en el que se dispersa el

pigmento. Los tipos de tinta más comunes son

los de escribir, de dibujar, de imprenta y las

tintas invisibles. Muchas tintas sólo se

diferencian de las pinturas en el uso a que

están destinadas. La tinta más usada para el

dibujo es la tinta china. Se componen de un

pigmento llamado negro humo y una goma o

cola. Para poder usarlas, hay que mezclarlas.

La tinta china es muy permanente porque el

carbón del negro de humo es inerte y el sol

apenas actúa sobre él y no lo decolora. Las

tintas chinas de colores están hechas de otros

tintes sintéticos en vez de negro de humo.

Caligrafía: arte de la escritura cuyas letras

tienen forma decorativa o elaborada. El

término procede del griego kalligraphia

(escritura bella) y se aplica a los escritos

realizados a tinta, aunque también puede

referirse a inscripciones escritas en piedra o

grabadas en metal. En los países islámicos la

caligrafía alcanzó enorme importancia como

elemento decorativo. La caligrafía empieza en

el antiguo Egipto (jeroglíficos).

Plumas: Derivan de las antiguas plumas de

ave utilizadas en la escritura y el dibujo. Dan

líneas con gruesos y finos, según la presión

que se ejerza sobre ellas. Las más finas se

llaman plumillas.

Bolígrafos: Son relativamente modernos y

distribuyen una tinta densa por medio de una

fina bola de acero, que al rodar por el papel

deja una línea de constante grosor. Hay

variantes en cuanto a los grosores y color.

Rotuladores: Una punta de fibra que permite el

traspaso de la tinta al papel que empapa un

núcleo poroso.

Tiralíneas: De uso exclusivo para trazados de

tinta china con gran precisión y de fácil

limpieza.

Estilógrafos: Derivados del tiralíneas. Tienen

puntas graduadas y un depósito de tinta.

Lápices: Procedimiento seco. Los lápices son

barras de grafito que están revestidas de

madera o sin revestimiento para emplearlas en

el portaminas. El diámetro de las barras esta

entre 1 y 2 mm. Se gradúan en cuanto a

dureza (blandos, de escritura muy oscura para

sombrear; y duros, para trabajos de línea, con

menor desgaste de la punta y menor

intensidad del negro.

Lápices de Colores: para precisar detalles con

limpieza. Las variedades son: corrientes, y las

que permiten ser disueltas en agua, para crear

acuarelados.

Lápiz sepia: Para dibujos de figura y retrato.

Ceras / encáustica: Procedimiento graso.

Como aglutinante, la cera da lugar a un

procedimiento usado desde hace mucho

tiempo llamado encausto el encausto se

prepara con la solución de resina copal

disuelta en gasolina, luego se emulsiona al

baño maría con cera de abeja, posteriormente

se mezclan los pigmentos previamente

molidos, y se agregan a la emulsión, una vez

fría se solidifica, logrando la consistencia de un

crayón. Se diluye en aguarrás. Como

aglutinantes del color, y además de la cera, se

usaban resinas, aceites y a veces cola y goma;

estas materias eran necesarias para facilitar la

fluidez de la cera, sin la cual habría sido difícil

pintar.

Para la aplicación de los colores se utilizaban,

además del pincel, los cauterios (laminas de

bronces para extender el color) y las

espátulas. La cera se calentaba sobre braseros

o estufillas y se aplicaba mezclada con el color

en estado fluido y caliente; para ello se

empleaba el pincel y se retocaba con el

cauterio. Esta operación exigía una gran

habilidad en el manejo de la cera.

Una vez terminada la aplicación de los colores,

se pasaba la estufilla por todo el soporte para

que al reblandecerse la cera fuese bien

absorbida por el enyesado del fondo. Era

necesario calentar todo por igual vara así

evitar diferencias de tonalidades. Si se quería

obtener un matiz brillante, se frotaba la

superficie pintada.

La cera tiene muy buenas propiedades como

base para el color , ya que no amarillea ni se

oxida, tampoco se contrae, es poco sensible al

agua, resistente a los ácidos, y entre las

ventajas ópticas destacan su gran luminosidad

y una transparencia especial.

La cera en el mercado está en forma de

barras y colores, y es un material muy barato

y escolarizado. El problema de esta técnica es

la obtención de diferentes tonos por mezcla,

por lo que son necesarias muchas

gradaciones.

Este procedimiento tuvo un gran desarrollo en

Grecia y Roma. Además de aplicarse sobre el

muro, se utilizaba el encausto o pintura a la

encáustica sobre objetos y sobre tabla.

Especialmente en Egipto, donde se han

conservado sarcófagos decorados con esta

técnica

Pastel: Procedimiento seco. Son barras de

color fabricadas con pigmentos en polvo puros

y otra sustancia cohesiva, como goma o resina

( para darles cohesión y formar barras); se

utiliza principalmente en dibujo. Estos

pigmentos son los mismos que se usan para el

temple.

Posee la particularidad de utilizar muy poco

aglutinante (como engrudos de avena, goma

tragacanto o jabón), por lo que el color de la

barra es el definitivo. A cambio, tiende a ser

alterado con facilidad y necesita de un fijador

poroso para su total adherencia al soporte, que

suele ser papel. Es un procedimiento de mucha

luminosidad, por carecer de aglutinante. Los

colores se fabrican en gradaciones muy

extensas para evitar las mezclas.

Con el pastel se consiguen delicadas

gradaciones cromáticas, y por la viveza y

frescura del color que proporciona, con una luz

superficial pura, es una técnica especialmente

apta para captar nítidos efectos luminosos. El

principal problema del pastel es su escasa

adherencia al fondo, lo que obliga, una vez

acabada la obra, a un proceso de fijación que

puede restarle un tanto de su viveza. Puede

decirse que el fijado constituye ya desde

antiguo la mayor dificultad de esta técnica y

que aún no ha sido bien resuelto: un fijado

muy fuerte o inexpertamente realizado puede

hacer desmerecer toda la gracia del colorido.

El pastel es especialmente sensible a las

acciones mecánicas, tanto golpes como

rayados, etc., que pueden causar deterioros

irremediables.

El soporte del pastel sirve cualquier superficie

suficientemente áspera (papel, cartón o tela)

como para soportar el color aplicado mediante

una ligera presión.

Tiene su origen en Italia durante el siglo XVI

como evolución de la tiza de dibujar y usado

como técnica complementaria de aplicación de

color a retratos ya realizados mediante otros

métodos artísticos.

Su época de máximo esplendor fue el siglo

XVIII con artistas como La Tour y Chardin.

Con el movimiento impresionista, durante la

segunda mitad del siglo XIX, volvió a recuperar

su popularidad. Se encuentran destacados

ejemplos de esta técnica en la obra de Edgar

Degas, Auguste Renoir y Toulouse-Lautrec.

TÉCNICAS DE DIBUJO

Los Materiales del dibujo

1. Carboncillos, barras de carbón, lápices de

grafito, tintas, rotuladores, lápices de color,

barras o lápices de pastel e incluso pinceles

para dibujar…

2. El caballete con tablero para grandes

formatos. También se utilizan las mesas de

dibujo, que tienen una inclinación más baja

cerca del dibujante. Para evitar las

deformaciones y tener más comodidad al

dibujar hemos de intentar que nuestra vista

sea perpendicular al papel. El papel se fija en

el tablero con chinchetas o celo de papel.

3. Los papeles para dibujo. Los más famosos

son Canson, Ingres y Fabriano, pero hay una

gran variedad. Los papeles pueden ser de

color blanco (clásico) o con color. El papel

puede ser satinado, no satinado, más o menos

absorvente, de grosor mayor o menor, etc, y

debemos escogerlo según la especialidad de

dibujo que vayamos a realizar.

4. Difuminos, para difuminar el trazo del lápiz o

carbón.

5. Esponjas, pañuelos de lana, trapos, para

limpiar y difuminar.

6. Cutter y sacapuntas, para preparar los

lápices.

 

7. Cinta adhesiva para papel para reservas o

para fijar el papel.

8. Reglas, tanto rígidas como cuerdas flexibles,

para tomar medidas y crear cuadrículas.

9. Fijativo para que el dibujo no se desprenda del

papel una vez finalizado o por fases de dibujo

que se van fijando.

10. Goma de borrar, para corregir o sacar luces al

carboncillo.

FUENTES:

html.rincondelvago.com/tecnicas-artisticas_1.html

www.pinturayartistas.com/tecnicas-pintura/tecnicas-de-dibujo/

PREGUNTAS

·       ¿Qué es el dibujo artístico?

·       ¿Cuáles son las principales técnicas de dibujo artístico?

·       ¿Dónde se emplea el dibujo artístico?

·       ¿En que se basa el dibujo artístico?

·       ¿Qué se aplica para el dibujo artístico?

CLASES DE SOPORTE PARA DIBUJO ARTISTICO

TIPOS DE LAPIZ DE DIBUJO ARTISTICO

CANON DE ROSTRO

CANON DE ROSTRO:

El canon es un concepto que se refiere a las proporciones perfectas o ideales del cuerpo humano y se refiere a las relaciones armónicas entre las distintas partes de una figura.

Sin desarrollar el concepto en tratados escritos, ya los egipcios utilizaron en la práctica el canon para la representación escultórica de la figura humana, pero en lugar de tomar la cabeza como modulo, lo hicieron con el puño, de forma que los cuerpos tenían de alto 18 veces el tamaño del puño, distribuido proporcionalmente en distintas partes del cuerpo (dos para el rostro, diez desde los hombros a la rodillas y seis desde éstas hasta los pies).

La plasmación literaria de esta idea fue explicitada en la Grecia Clásica por Policleto, escultor del siglo V A. de C., en un libro técnico titulado El Kanon. Aunque el texto no se ha conservado, fue ejemplificado por el artista en sus obras Doriforo y Diadumeno. En ellas estableció que la altura perfecta de una figura humana era siete veces la altura de la cabeza.
Vitrubio dejó asentados varios conceptos, ampliando otras proporciones entre distintas partes del cuerpo humano, que fueron reelaboradas por los artistas del Renacimiento, especialmente por Alberto Durero y por Leonardo da Vinci.

En la edad contemporánea, el arquitecto francés Le Corbusier, creó un nuevo canon de proporciones humanas al que denominó modulor (2,26 metros de altura), para aplicar tanto en la construcción de edificios como en el diseño de mobiliario y objetos comunes.

DATOS IMPORTANTES:

En los estudios que el dibujante lleve a cabo de las diferentes partes del rostro no debe eliminar ningún elemento, por poca importancia que a primera vista tenga.

En el caso de la nariz se trata de un apéndice de menor relevancia que los ojos o los labios, pero que al ser un rasgo sobresaliente colabora en la expresividad general del rostro humano, al tiempo que cobra una enorme trascendencia en la representación de la cabeza de perfil.

Los griegos de la antigüedad clásica creían que la proporción conducía a la salud y a la belleza.

MAPA MENTAL:

5 PREGUNTAS : 

CANON DE ROSTRO:

• ¿Que es el canon?
• ¿cuales son los tipos de canon?
• ¿que técnicas se deben utilizar para la creacion del canon?
• ¿que tamaños exactamente se deben manejar ?
• ¿que se creia en la antiguedad acerca del canon?

FUENTES DE INFORMACION:

1) . http://enmabumusicarte.blogspot.com/2012/03/canon-del-rostro-humano.html

2). http://enmabumusicarte.blogspot.com/2012/03/canon-del-rostro-humano.html